Henry Moore

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Modèle:Voir homonymes Modèle:Infobox Biographie2

Henry Spencer Moore, né le Modèle:Date à Castleford (comté de Yorkshire) et mort le Modèle:Date à Much Hadham (comté de Hertfordshire), est un sculpteur britannique.

Il devient célèbre grâce à ses grandes sculptures abstraites en bronze et en marbre taillé. Solidement soutenu par la communauté artistique britannique, Moore contribue à introduire une forme particulière de modernisme au Royaume-Uni, en s'inspirant des styles dits primitifs de civilisations anciennes tels que le style minoen, assyrien, babylonien, romano-gothique, observés au British Museum, et plus tard, de l'art maya.

Son talent est reconnu dès 1950, année où il est élu membre de l'Académie royale suédoise des Beaux-Arts. Il est ensuite nommé docteur honoris causa dans un grand nombre d'universités à travers le monde<ref group="note">1953 : Londres, 1958 : Harvard, 1959 : Cambridge et Reading, 1968 : Toronto et d'autres, Russoli, Mitchinson, Moore p. 304-305.</ref>. Ses œuvres ont atteint une cote très élevée sur le marché mondial dès que Sotheby's et Christie's ont pu reprendre leur activité normale après la guerre à Londres et à New York. Cependant, Moore vivait modestement et la plus grande partie de sa fortune a été versée à la Fondation Henry Moore, qui continue à soutenir l'éducation et la promotion artistiques.

La plupart de ses sculptures représentent une silhouette couchée, souvent féminine, parfois percée d'un rond dans le corps surtout à partir des années 1960. Moore a été inspiré par l'art toltèque — notamment par une sculpture maya connue sous le nom de « Chac Mool », dont il a vu une reproduction en plâtre à Paris en 1925. De plus en plus monumentales, de plus en plus abstraites, parfois désarticulées, les sculptures de l'artiste ont fait l'objet de commandes officielles notamment la Montagne unique du City Center de Dallas, bronze de plus de Modèle:Unité, également connue sous le nom de Modèle:Langue<ref>{{#invoke:Langue|indicationDeLangue}} Modèle:Lien archive, Modèle:Langue.</ref>,<ref name="RMM 283">Modèle:Harvsp.</ref>.

Moore a également réalisé un grand nombre de dessins, certains réunis en carnets, dont le plus célèbre est le Carnet de l'abri, conservé au British Museum, dont les dessins ont été faits dans les abris pendant les bombardements de Londres.

Biographie

De l'enfant au soldat

Fichier:Henry Moore's house.jpg
Maison d'Henry Moore à Perry Green.

Moore naît à Castleford (dans le Yorkshire de l'Ouest), septième des huit enfants de Raymond Spencer Moore et Mary Baker. Son père est ingénieur des mines, et sous-directeur de la mine de charbon Wheldale à Castleford. De 1902 à 1910, après des études à l'école primaire de Castleford, il obtient une bourse pour la Grammar school locale<ref name="RMM 304">Modèle:Harvsp.</ref>. Il est bachelier dès 1915 et il commence à étudier pour devenir enseignant, métier qu'il exerce dès 1916 dans le collège de Castleford où il a fait toutes ses études<ref name="Ann 269">Modèle:Harvsp.</ref>

Pendant ses études primaires, Moore est encouragé par son professeur d'art, une jeune femme fraîchement nommée au collège de Castleford : Alice Goldstick qui a exercé une profonde influence sur ses élèves en leur faisant connaître notamment les formules stylistiques mélangeant le minoen, l'assyro-babylonien, et le romano-gothique<ref name="RMM 7">Modèle:Harvsp.</ref>. Alice était d'une famille franco-anglaise. Elle donne des cours le vendredi après-midi en montrant à ses élèves des revues d'art telles que Studio magazine. Moore alors avait à peine dix ans. C'est Alice Goldstick qui lui donne ses premiers outils à sculpter le bois. L'enfant n'avait alors utilisé qu'un petit couteau de poche. C'est encore Alice qui lui permet d'obtenir une bourse d'études d'art récemment créée, celle d'ancien combattant boursier lors de son retour en Angleterre<ref name="RMM 8">Modèle:Harvsp.</ref>, après la Grande guerre, lorsque le jeune homme est revenu à la vie civile, en 1919. C'est avec cette bourse qu'il peut entrer à l'école des beaux-arts de Leeds<ref name="Ann 10">Modèle:Harvsp.</ref>.

En 1917, Moore est appelé sous les drapeaux. Mobilisé au Modèle:15e régiment de Londres du Civil Service Rifles, service des fonctionnaires de l'armée<ref name="RMM 304"/> au début de la Première Guerre mondiale. Il est envoyé sur le front français où il participe à la bataille d'Arras (1917), puis à la bataille de Cambrai (1917) au cours de laquelle il est gazé. Il est rapatrié en Angleterre. Rapidement rétabli, il devient entraîneur d'éducation physique et instructeur d'école de baïonnette avec le grade de soldat de première classe, et il est de nouveau envoyé au combat en France<ref name="RMM 304"/> . Alice Coreia remarque que son attitude vis-à-vis de la guerre et les déclarations contradictoires qu'il a faites ensuite, ne sont pas dénuées d'ambiguïté<ref name="Correia Tate1">Alice Correia Tate p.1</ref>. Il déclare d'abord « Pour moi, la guerre s'est déroulée dans la brume romantique de l'espoir d'être un héros (…) je n'étais pas horrifié par la guerre, je voulais gagner une médaille »<ref name="Alice Correia4">Alice Correia p. 4</ref> traduction partielle de la citation intégrale<ref group="note" >For me, the war passed in a romantic haze of hoping to be a hero. Sometimes in France there were 3 or 4 days of great danger, when you thought there wasn't any chance of getting through. Then all one felt was sadness, at having taken so much trouble for no purpose. But on the whole I enjoyed the army." And again in 1986, shortly before his death, he said: « I was not horrified by war, I wanted to win a medal. »</ref>. Puis plus tard il écrit dans une lettre à Lucie Defty « Le grand bain de sang et la douleur, l'insupportable angoisse et la perversion, les larmes et la malfaisance humaine de la guerre. Mon expérience en France m'a fait penser à Dieu, à la mort, au devoir (…). La grande erreur de la religion, selon ce que j'en sais, est de faire croire que Dieu est de notre côté. Qu'il est fort et puissant et bon. Mais s'Il était tout puissant, il n'y aurait jamais eu ce que j'ai expérimenté: la grand bain de sang, la grande douleur, l'insupportable agonie, la perversion, les larmes et l'inhumaine et diabolique guerre, n'auraient jamais existé<ref name="Correia ">Alice Coreia p.7</ref> traduction partielle<ref name="Wordpress 7">traduction partielle de la citation p7</ref> de la citation intégrale<ref group="note">Death, since the war is not, I think, a stranger to many of our modern poets. Many people however make death a stranger from their fear of it, their fear of even its contemplation. My experience in France made me thinkmuch about God, and death, and duty. Some of my thoughts were very vague, too vague, some of them, to be expressed. The one great mistake in religion, as I have known it, is the belief it creates in one, that god is on my team. He is strong, and powerful,and good. But were He almighty, the things I saw and experienced, the great bloodshed, the great pain, the insufferable agony, and the depravity, the tears, and inhuman devilishness of the war would, could, never have been.</ref>.

Formation de l'artiste

Fichier:'Mask', cast concrete sculpture by Henry Moore, 1929, Tate Britain.JPG
1929, Masque en béton coulé.Henry Moore Tate Britain

En 1919, après avoir repris son travail d'enseignant, Moore ayant reçu une bourse d'ancien combattant s'inscrit à l'école de beaux-arts de Leeds. Il reconnait qu'à cette époque il doit beaucoup à un camarade de cours : Albert Wainwright<ref>dessins de Wainwright</ref> qui s'est intéressé à sa peinture, ainsi qu'à un professeur exigeant : Mr Pearson qui savait préparer ses élèves, Moore achève en trois ans son cycle à l'école de Leeds<ref name="Ann 11">Modèle:Harvsp.</ref>.L'école lui fournit avant tout une formation technique, artisanale, mais elle lui permet aussi de rencontrer Michael Sadler, à la fois recteur de l'université de Leeds et un des tout premiers collectionneurs d'art moderne, qui possède notamment des tableaux de Cézanne, Gauguin, et qui a traduit les textes de Kandinsky<ref name="RMM 8"/>. Grâce à lui, Moore découvre les voies suivies par les artistes du post-impressionnisme, et au même moment, il trouve à la bibliothèque publique de Leeds l'ouvrage de Roger Fry Vision and design qui donne une explication pratique, historique, et théorique de la sculpture, et qui confirme les propres intuitions du jeune sculpteur<ref name="RMM 9">Modèle:Harvsp.</ref>. En particulier l'essai de Fry Essay on aesthetics le conforte dans son idée que la réalité n'a rien à voir avec l'imitation de celle-ci, et qu'elle est puissamment exprimée dans des œuvres de l'art nègre, de l'art primitif, aussi bien que dans celle de Giotto, Masaccio, Cézanne ou Pablo Picasso<ref name="RMM 10">Modèle:Harvsp.</ref>.

En 1921, Moore obtient une bourse pour étudier la sculpture au Royal College of Art (RCA) à Londres<ref name="RMM 304"/>. Ravi de n'avoir pas étudié dans une école des beaux-arts avant sa vingt et unième année, il porte un jugement très sévère sur les perspectives fermées de l'académisme : Modèle:Citation également cité par Alice Correia<ref name="Correia Tate3">Alice Correia Tate p.3</ref> Dès lors, Moore se plonge dans l'étude des dessins et des sculptures de Michel-Ange, le maître italien qu'il allait admirer au British Museum. Parmi les histoires que raconte son professeur, Moore cite un récit sur Michel Ange, qui ayant sculpté un vieux lion, s'entend dire par un passant qu'un vieux lion ne peut pas avoir toutes ses dents. Aussitôt Michel-Ange prit son ciseau et les cassa<ref name="PJ 29">Modèle:Harvsp</ref>. Les points de vue du jeune sculpteur rejoignent ceux de Michel-Ange. Et de même qu'en début de carrière Michel-Ange avait choisi la représentation du corps humain, Moore sculpte La Maternité, à l'âge de 26 ans. La sculpture Mère et enfant de la cathédrale Saint Paul de Londres a été réalisée à partir d'une maquette exécutée plus de soixante ans plus tard<ref name="Ann 14">Modèle:Harvsp.</ref>.

En 1923, Moore effectue un premier voyage à Paris où il est présenté à Aristide Maillol par William Rothenstein et où il étudie la collection Pellerin, dont les Cézanne font grande impression sur lui<ref name="HM 50">Modèle:Harvsp.</ref>. La découverte de cette collection est un véritable choc pour le jeune artiste : il découvre les éléments fondamentaux de structures et de figure exprimant la réalité sans détails naturalistes superflus<ref name="RMM 16">Modèle:Harvsp.</ref>. Nommé en 1924 professeur à l'école de sculpture du royal collège pour sept ans, il reçoit une bourse de voyage de six mois pour l'Italie où il s'attache, particulièrement à Florence, à deux artistes : Giotto et Masaccio. La peinture de Giotto lui paraît la plus belle qu'il ait jamais vu écrit-il à William Rothenstein. Mais il fait aussi des croquis des sculptures de maîtres romains. Notamment le groupe romain tardif Les Trois Grâces de la bibliothèque Piccolomini de la cathédrale de Sienne<ref name="Ann 13">Modèle:Harvsp.</ref>. L'autre source d'inspiration du jeune sculpteur est la collection d'œuvres pré-colombiennes du British Museum, mais aussi des sculptures sumériennes, cycladiques, mésopotamiennes, africaines , ceux que l'on appelle les primitifs et dont Moore déclare que Modèle:Citation Entre 1921 et 1926, Henry Moore a rempli six carnets de dessins d'après les sculptures primitives. Mais il ne trouve nulle application de ces principes dans la sculpture anglaise à l'exception de Jacob Epstein et Gaudier<ref name="RMM 13">Modèle:Harvsp.</ref>.

À partir de 1925, nommé par Sir William Rothenstein professeur assistant de sculpture au Royal college of art pour une période de sept ans, Moore reçoit un salaire qui lui permet d'avoir une certaine indépendance matérielle et de se consacrer à son propre travail. Partant des principes de Cézanne, il applique la leçon de Brancusi Modèle:Citation Cependant, toujours en proie au doute, le jeune artiste détruit un grand nombre de ses œuvres qui ne le satisfont pas , pendant six mois entre 1925 et 1926<ref name="RMM 27">Modèle:Harvsp.</ref>.

Fichier:HenryMoore WestWind.jpg
Vent d'Ouest (1928-29) première commande publique de l'artiste.

Le jeune artiste prend part à une exposition collective en 1926 à la Saint George's Gallery de Londres en compagnie notamment de David Hockney Howard Hodgkin,Patrick Caulfield<ref name="WW47">Modèle:Harvsp.</ref>.

En 1928, il accepte à contrecœur une commande de l'architecte Charles Holden pour un relief destiné au siège récemment inauguré de la Compagnie des transports de Londres. Il s'agit d'une figure étendue de Moore commente lui-même quelques années plus tard : Modèle:Citation bloc

De fait, une sculpture en relief était considérée par l'artiste comme humiliante, au point que Vent d'ouest est devenu Vent du Nord, tandis que Moore réalisait un carnet de dessins intitulé Carnet du Vent d'ouest<ref name="Ann 15">Modèle:Harvsp.</ref>.

Cette même année 1928, Moore a sa première exposition personnelle à la Warren Gallery de Londres. Il présente quarante-deux sculptures et cinquante et un dessins, œuvres réalisées entre 1922 et 1928. La presse lui réserve un accueil mitigé. Bien que Moore ait largement attiré l'attention, les commentaires ne sont pas tous favorables<ref name="RB 88">Modèle:Harvsp.</ref>. Les sculptures sont encore largement influencées des arts primitifs, des maternités « carrées » qui rappellent les arts amérindiens, des têtes proches des arts africains, des dessins de nus debout assez classiques, mais aussi un dessin de baigneuses Studies of Female Bathers (1925) qui montre une avancée vers la stylisation du trait et un Torso (1927) en bois africain qui montre une application de « la leçon de Brancusi »<ref name="Ann 18">Modèle:Harvsp.</ref>. Une partie des œuvres exposées est en ligne<ref>catalogue de l'expo Moore/Warren</ref>, très représentatives des travaux de cette période et des matériaux utilisés successivement par l'artiste : pierre, bois, béton, et une Reclining figure en béton coulé<ref>catalogue Warren/Moore 1928</ref>.

Le mariage et les années 1930

Modèle:Section à sourcer

En juillet 1929, il épouse Irina Radetsky, une étudiante en peinture au RCA. Irina est née à Kiev le Modèle:Date de parents ukrainiens et polonais. Après leur mariage, elle commence à poser pour Moore<ref name="RMM 304"/>. À cette époque, l'artiste utilise de nouveaux matériaux : des marbres de toutes couleurs, mais il continue à utiliser des pierres anglaises, en particulier celles de Hornton<ref>http://catalogue.henry-moore.org/objects/14117/mother-and-child?ctx=b0894364-e9c8-4f20-97d3-ce8c4c791baa&idx=19 Mother & child 1924-25</ref> qu'il a découvertes en visitant le Geological Museum of South Kensington qui était à côté de son école<ref name="RMM 48">Modèle:Harvsp.</ref>.


Peu de temps après leur mariage, le couple emménage dans un studio à Hampstead, rejoignant ainsi une petite colonie d'artistes avant-gardistes. Peu après, Barbara Hepworth et son partenaire Ben Nicholson emménagent dans un autre studio proche de celui de Moore, alors que Naum Gabo et le critique d'art Herbert Read vivent aussi dans ce quartier. Cela crée rapidement un terrain fertile d'idées et de créativité, que les publications de Read peuvent mettre en valeur et ainsi mieux faire connaître les travaux de MooreModèle:Référence nécessaire.

Au début des années 1930, Moore devient Directeur du Département de Sculpture à l'école d'Art de Chelsea. Artistiquement, Moore, Hepworth et les autres membres de la Seven and Five Society développent progressivement des œuvres de plus en plus abstraites, en partie influencées par leurs voyages fréquents à Paris et les contacts de certains grands artistes français, tels que Picasso, Braque, Arp et Giacometti. Moore flirte avec le Surréalisme, rejoignant le groupe Unit One de Paul Nash en 1933. Moore et Paul Nash sont membres du comité organisateur de l'Exposition surréaliste internationale de Londres de 1936 (titre original: the London International Surrealist Exhibition). À cette époque, Moore change progressivement de technique de sculpture, passant de la taille directe à la fonte du bronze, modelant ses maquettes préliminaires dans la glaise ou le plâtreModèle:Référence nécessaire.

Cette période inventive et productive est interrompue par la Seconde Guerre mondiale. L'École d'Art de Chelsea est transférée à Northampton, et Moore refuse son poste d'enseignant. Pendant la guerre, Moore a exécuté de nombreux dessins dans les abris de Londres pendant les bombardements<ref>Tube Shelter Perspective Tate.</ref>.

Leur maison de Hampstead ayant été touchée par un éclat d'obus, Moore et sa femme Irina quittent Londres pour s'installer dans le domaine de Hoglands, à Perry Green près de Much Hadham, Hertfordshire. Ce lieu devient la résidence définitive et l'atelier d'Henry Moore. Le sculpteur, qui deviendra par la suite très riche, n'éprouvera pourtant jamais le besoin de déménager dans une maison plus grande et, à part l'acquisition de quelques dépendances et ateliers, la maison changera assez peu.

Une reconnaissance internationale

Fichier:Henry Moore - Two Piece Reclining Figure 5 - Kenwood.jpg
Figure étendue à deux pièces no 5, Bronze (1963-64, titre original : Modèle:Langue), Kenwood House, Londres.
Fichier:Locking Piece, Millbank.jpg
Pièce fermant à clé (titre original : Modèle:Langue) par Henry Moore, située à Millbank sur les rives de la Tamise à Londres. Sculptée en 1963 et présentée par l'artiste en 1978 à la Galerie Tate, cette pièce a été prêtée à la ville de Westminster.

Après la guerre et après quelques tentatives infructueuses, Irina donne naissance à leur fille, Mary le Modèle:Date. Cet enfant reçoit le nom de la mère de Moore, morte deux ans plus tôt. Ces deux évènements associés, la perte de sa mère et la naissance de sa fille, laissent Moore méditer sur le thème de la famille, ce qu'il exprime dans son œuvre en produisant plusieurs compositions Mère-et-Enfant (titre original: Mother-and-Child). Les sculptures Figures étendues restent elles aussi très populaires (titre original: Reclining Figures). La même année, Moore fait sa première visite aux États-Unis, pour une exposition rétrospective sur son œuvre au Musée d'Art Moderne de New York. En 1948, il remporte le Prix International de Sculpture à la {{#ifeq: | s | Modèle:Siècle | XXIVe{{#if:|  }} }} Biennale de Venise.

Fichier:HenryMooreTorontoCH1.jpg
L'Archer, Toronto.

Vers la fin de la guerre, Henry Morris s'adresse à Moore, car il veut proposer une réforme de l'éducation avec le concept d'Modèle:Lien. Morris a déjà engagé Walter Gropius en tant qu'architecte pour sa seconde "université village" à Modèle:Lien près de Cambridge et il demande à Moore de dessiner une grande sculpture publique pour ce site Modèle:Référence nécessaire. Malheureusement le Conseil du Comté ne peut se permettre de financer la totalité du projet de Gropius et réduit la taille du projet lorsque Gropius émigre aux États-UnisModèle:Référence nécessaire. Manquant de fonds, Morris doit annuler la commande de sculpture de Moore qui ne dépasse pas le stade de la maquette. Heureusement, Moore peut réutiliser la conception de cette maquette en 1950 pour une commande similaire à l'extérieur d'un lycée pour la nouvelle ville de Stevenage. Cette fois, le projet aboutit et Family Group (Groupe Familial) devient la première sculpture publique en bronze et de grande échelle de Moore Modèle:Référence nécessaire.

Dans les années 1950, Moore commence à recevoir des commandes de plus en plus importantes, dont celle du bâtiment de l'UNESCO à Paris en 1957Modèle:Référence nécessaire. Avec de plus en plus d'œuvres publiques à produire, les sculptures de Moore deviennent de plus en plus monumentales et il se met à employer quelques assistants pour l'aider à Much Hadham, dont Anthony Caro par exemple Modèle:Référence nécessaire.

En 1965, Henry achète une maison en Italie, à Forte dei Marmi, près de Carrare. Dans les années qui vont suivre, les récompenses, honneurs et commandes monumentales vont se succéder. En 1968, une première grande rétrospective Moore a lieu à la Tate Gallery à l'occasion de ses soixante dix ans. En 1972, une autre grande rétrospective se tient à Florence. Le Henry Moore sculpture center est inauguré à l'Art Gallery of Ontario, Toronto. 1977 voit la création de la Henry Moore Foundation, l'année suivante, l'artiste donne un grand nombre de ses œuvres à la Tate Gallery<ref name="Ann 270">Modèle:Harvsp.</ref>.

Décoré un peu partout dans le monde, citoyen d'honneur de la ville de Forte dei Marmi, décoré de l'Ordre de l'Aigle aztèque par l'ambassadeur du Mexique en 1983, élevé à la dignité de commandeur de l'Ordre national de la Légion d'honneur en 1984 par François Mitterrand, et de l'Ordre de Saint Cyrille et Saint Méthode en Bulgarie en Modèle:Date-. Il meurt l'année suivante dans son village de Much Hadham<ref name="Ann 270"/>. Son corps est enterré à la Cathédrale Saint-Paul de Londres. Son épouse est morte en 1989.

Œuvre

Sculpture

Fichier:HenryMoore RecliningFigure 1951.jpg
Figure étendue (1951, titre original : Modèle:Langue) est caractéristique des sculptures de Moore, avec une silhouette féminine abstraite entrecoupée d'espace vides. Il existe plusieurs versions en bronze de cette sculpture, mais celle-ci est faite de plâtre peint.

Henry Moore est très connu pour ses bronzes abstraits monumentaux, visibles à de nombreux endroits à travers le monde. Les sujets sont habituellement des abstractions de silhouettes humaines, telles que Mère-et-Enfant (titre original : Modèle:Langue) ou Figures étendues (titre original : Modèle:Langue).

À part quelques représentations de « groupes familiaux » dans les années 1950, le sujet est presque toujours une silhouette féminine. De plus, les sculptures de Moore sont souvent percées ou contiennent des cavités, des excavations. Beaucoup interprètent la forme ondulée de ces silhouettes étendues comme des références au paysage et aux vallées du Yorkshire, lieu de naissance de l'artiste.

Quand la nièce de Moore lui demande pourquoi ses sculptures ont de si simples titres, il répond : Modèle:Citation bloc

Citation originale : Modèle:Citation étrangère bloc

Les premières sculptures de Moore sont centrées sur la taille directe dans laquelle la forme de la sculpture évolue à mesure que l'artiste taille dans le bloc<ref>{{#invoke:Langue|indicationDeLangue}} Voir Modèle:Langue 1932.</ref>. Dans les années 1930, la transition de Moore dans le Modernisme est parallèle à celle de Barbara Hepworth. Ces deux sculpteurs, ainsi que d'autres artistes vivant à Hampstead, découvrent ainsi de nombreuses idées nouvelles. Moore fait de nombreuses esquisses et dessins préparatoires pour chacune de ses sculptures. La plupart de ces carnets de croquis ont survécu et donnent un bon aperçu de son développement et de sa méthodologie. Vers la fin des années 1940 Moore produit de plus en plus de sculptures par modelage, en travaillant les formes dans la glaise ou dans le plâtre avant de produire le travail final en bronze par la technique de la cire perdue.

Après la Seconde Guerre mondiale, les bronzes de Moore deviennent sculptures monumentales, particulièrement pour les commandes d'« art public » comme la Silhouette au repos, piazza du siège de l'UNESCO, Paris<ref>Silhouette au repos UNESCO, Paris.</ref>, qu'il reçoit. Pour des raisons techniques, il abandonne largement la taille directe, et emploie plusieurs assistants pour l'aider à produire ses maquettes.

Dans sa résidence à Much Hadham, Moore établit une collection d'objets naturels, de squelettes, bois flottés, galets et coquillages, pour se créer une source d'inspiration pour les formes organiques. Pour ses plus grandes œuvres, il produit souvent un modèle réduit de moitié avant de travailler sur le moulage final et la fonte du bronze. Quelquefois un modèle en plâtre de taille réelle est construit, permettant à Moore d'affiner la forme finale et d'ajouter quelques marques avant la fonte<ref>Voir la sélection des récentes sculptures de la Fondation Henry Moore.</ref>.

Depuis 1977, sa sculpture The Egg est attribuée et conservée pendant une année par le musée lauréat du Prix du musée européen de l'année.

Dessins

Moore a apporté un soin tout particulier à la conservation des dessins qu'il a réalisés au Royal College of Art de Londres. Mais on connaît très peu ceux qu'il a fait à l'école de Leeds. C'est principalement Alice Goldsticks qui a conservé ceux qu'il lui envoyait du camp militaire proche de Winchester<ref name="Ann 11"/>.

Moore a reconnu sa dette envers un camarade de cours nommé Albert Wainwright<ref group="note">Devenu par la suite un illustrateur reconnu en Angleterre.</ref>, qui lui avait fait connaître l'œuvre d'Aubrey Beardsley dont Moore s'est inspiré<ref name="Ann 11"/>. Mais aussi l'importance de l'enseignement de Monsieur Pearson qui aimait à citer un mot d'Ingres : « le dessin est la probité dans l'art »<ref name="Ann 11"/>. Mais c'est au Royal College de Londres que Moore a été le plus influencé par les dessins de Michel Ange qu'il a pu observer au British Museum. Quatre siècles séparent les deux artistes et pourtant, selon Ann Garrould, leurs points de vue sont très proches<ref name="Ann 12">Modèle:Harvsp.</ref>.

De 1921 à 1926, Moore a rempli six carnets de croquis d'après des sculptures primitives, choisissant pour thème le corps humain<ref name="Ann 12"/>. Toutefois les premiers dessins de l'artiste relèvent de deux catégories : ceux dont le propos est d'étudier un objet en trois dimensions, et ceux qui, de 1921 à 1925 ne représentent ni des croquis de sculpture, ni des figures humaines, mais des thèmes qu'il traitera à nouveau dans les années 1970-1980 : chèvres, paysages, arbres, principalement exécutés lors de son séjour en Italie en 1925<ref name="Ann 14"/>. (suite à venir)

Legs

Les trente dernières années de sa vie sont similaires, avec plusieurs grandes rétrospectives dans le monde entier, notamment une importante exposition pendant l'été 1972 au Forte di Belvedere<ref>{{#invoke:Langue|indicationDeLangue}} Modèle:Lien archive.</ref> surplombant Florence. Vers la fin des années 1970, on peut compter environ 40 expositions par an présentant son œuvre.

Le nombre de commandes continue d'augmenter. Il termine Tranchant de couteau à deux pièces en 1962 (titre original : Modèle:Langue) pour un site proche des Chambres du Parlement à Londres. Moore commente son travail : Modèle:Citation bloc

Citation originale : Modèle:Citation étrangère bloc

Comme sa richesse personnelle augmente considérablement, Moore s'intéresse à ses legs. Avec l'aide de sa fille Mary, il crée le trust Henry Moore en 1972, en vue de protéger sa propriété des droits de succession. Vers 1977 il paie aux impôts environ un million de Livres par an.

Pour adoucir ce fardeau de taxes il établit la Fondation Henry Moore, déclarée comme fondation de charité, avec Irina et Mary comme administrateurs. La Fondation est établie afin de promouvoir la vulgarisation de l'Art et pour préserver les sculptures de Moore. Cette fondation gère aujourd'hui une galerie et un musée dans les ateliers de Moore à Hoglands.

Bien qu'ayant refusé le Modèle:Quoi en 1951, il est récompensé par l'Ordre des compagnons d'honneur (Companions of Honour) en 1955 et l'ordre du Mérite en 1963.

Expositions permanentes

Fichier:Henry-moore-ago.jpg
Panorama de la collection Henry Moore de la Galerie d'Art de l'Ontario, la plus grande collection au monde des travaux du sculpteur.

Les sculptures et dessins de Moore sont visibles dans de nombreux musées.

Royaume-Uni

Amérique du Nord

Finlande

Expositions temporaires

Œuvres

Notes et références

Notes

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Références

Modèle:Références

Voir aussi

Modèle:Autres projets

Bibliographie

Liens externes

Modèle:Portail

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